影视艺术的创作过程

第八章影视艺术的创作过程

影视作品的制作方法、制作过程要比其他艺术复杂得多。如果说一首诗、一幅画、一首乐曲都是由艺术家个人完成创作的话，那么摄制一部影视片那么需要集合许多人的力量才能完成。影视创作既是一种艺术创造，同时又具有工业化、企业化生产的性质，美国的好莱坞人士曾作过统计，拍摄一部电影需要动246种不同的行业。影视制作一般要经历三个阶段：前期准备、实拍和后期制作。在影视制作的流水线上有七个主要的岗位：编剧、导演、表演、摄影、美工、录音和剪辑。有关编、导、演等部门的艺术职能和特征，本教案在第九章作专章论述，本章着重从制作的角度，按三个阶段的顺序介绍影视作品的创作过程。

第一节 前期准备阶段

一、案头准备

案头准备的工作主要是两个：影视剧作的创作和分镜头剧本的编写。

1．影视剧作

剧作是一个影视作品的基础，这个基础越好，这部影视作品成功的可能性就越大。影视剧作的来源基本上是两个：一是由编剧自行创作，另一个是编剧根据现成的文学作品或戏剧作品改编而成。在当前，无论中国还是西方，改编的作品往往占有很大的比重。

当一部影视剧作定了稿并经制片单位审查，确定投产之后，编剧的任务就告完成，下一步就由导演接手了。导演接触影视剧作的途径通常有三种：一是“自编自导”式，这样

的导演为数很少，他是真正意义上的影视作品的作者，这类作品一般具有鲜明的个人风格，国际上几位著名的电影大师如卓别林、伯格曼、安东尼奥尼、费里尼等都属于这一种。二是“介入式”，即在剧本的编写阶段，导演就参与进去，与编剧一起构思和创作剧本，这种编导共同构思写作的方式有利于提高剧本“电影化”的程度，风格也比较统一。国内外均有不少电影编、导通过长期合作而形成默契的“搭档”关系，日本的黑泽明和桥本忍、苏联的莱兹曼与格布里罗维奇、中国的谢晋与李准等。三是“接力棒”式，即导演由生产部门分派接受一个已经定稿的剧本，然后导演投入对剧本的构思和处理。

2．分镜头剧本

导演的案头工作是指导演构思形成并诉诸文字的工作，包括完成分镜头剧本的撰写与导演阐述两项，其目的是对未来的影片事先进行艺术及技术等方面的综合规划与整体设想，为各部门创作提供依据。从技术上看，分镜头剧本必须包括如下几项内容：

（1）把剧本中一个完整的场面分解成若干个镜头，估算每个镜头的长度，为每一个镜头规定景别与拍摄的方法。

（2）将场面调度具体化。这个调度既有演员地位的调度又有镜头的调度。

（3）估算音乐和音响效果的要求。如果需要音乐渲染，导演会在分镜头剧本的音乐一栏中用记号标明，由电影作曲家根据剧情内容及分镜头剧本指定的时间、长度来进行音乐创作。

二、选择外景与演员

英国著名导演希区柯克曾经说过：“请不要忘记，编剧们给你的只是写在纸上的东西。我关心的不是这个。我需要的是用一连串彼此衔接的形象来填满那块长方形的白色银幕。”显然他指的用来填满银幕的形象主要是由人物和景物构成的。因此导演在实拍前须要选择场景和挑选演员。

1．选场景

场景即影片中的空间环境。导演对景的选择，尤其是对外景的选择都必须在实拍前得到落实。选景的工作由导演会同摄影师、美工师、制片主任一起进行。由于每一个导演的工作习惯不一样，在选景程序上，有的先选景再写分镜头剧本，有的那么相反或交替进行。外景的选择往往对导演的形象思维产生决定性影响。著名的例子是爱森斯坦在导演《战舰波将金号》时，原剧本并没有“敖得萨阶梯”一场戏，是爱森斯坦在选外景时，发现“敖得萨阶梯”极富造型表现力，便将这一场景纳入银幕造型体系，酝酿出天才的蒙太奇构思。选择外景的起码要求是要符合剧作规定的时代、民族、地域的特点，并与未来影片的造型风格相一致。如《黄土地》的主创人员通过“千里走陕北”不光落实了具体的拍摄地点，而且激发出炽热的创作激情，确立了黄土地作为贯穿全片的具有象征意义的造型意图。作为该片摄影师的X艺谋，在谈到这一点时说：“走了一月余，看了腰鼓，听了信天游，见了黄河，坐了老汉的炕头。有天黄昏，一行人爬上佳县的一个高山峁。冬日的残阳悬在峁尖，四面望去，全是梁，全是峁，全是黄土。这块好大好厚的土，沉稳地坐在这里，不知有多少年了，像个老人，静极了。太阳远远的，像X饼。在淡淡的黄色光线下，这土原博大、雄伟、悲怆。众人呆呆地站在那里望，半晌，有人叫出声来：“嘿！真棒！就拍这块土地！”

在选外景过程中，会发生两种情况。第一种情况是由于受影片期限的约束，必须对剧本涉及的有关场景作出修改。如某剧本中有场戏写男女主人公相会于一片金黄的菜花田里，由于影片拍摄时油菜花期已过，要拍就须等到来年，但影片却必须在年内完成，结果导演

将这场戏改在同样富有诗意的河边大树下展开，按时完成了拍摄计划。第二种情况是历史题材的影片所涉及的有关外景因时间久远，当年的原貌已不复存在，这就需要通过“借景”方法，以若干个局部景点合成以假乱真的场景。如影片《李清照》中晚年李清照生活的场景并不是在XX金华的婺江之滨拍摄，而是选择了几个其他地方的景点后加以合成的。总之，选外景是一项务实又很艰苦的工作，主创人员往往跋山涉水，踏破铁鞋，才能找到一处合适的场景。

2．选演员

挑选演员是导演在这一阶段必须完成的一项重要工作。洪深当年有句名言：“挑选演员是导演构思的一个组成部分，演员选对了，戏就完成了一半”。这话说得毫不夸X，因为演员毕竟是未来银幕形象的体现者，导演的全部努力最后都需要通过演员落到实处。从演员在影片中担任的角色分量来说，有主角、配角和群众演员之分；从可供导演选择的对象来说，有专业演员和非专业演员的区别。在西方，电影业盛行“明星制”，惯以一、二位具有票房号召力的男女明星领衔主演，有时一个电影剧本是专门为某位明星撰写的，如20世纪30年代的美国好莱坞为秀兰·邓波儿编写了十一部电影剧本。这种“度身定制”的现象现在已越来越普遍，如由斯泰隆主演的《第一滴血》、《绝岭雄风》，由日本著名演员高仓健主演的《车站》、《兆治的酒店》等，都是主角先于剧本而确定了的。

如果从演员本身的素质方面来区分的话，演员又可以分为“本色演员”和“性格演员”，不过每个演员一般都是从本色演员起步的，其中有些演员有较强的可塑性，有可能在导演的帮助下不断开拓戏路，逐渐成为性格演员。导演选择演员一般都从形似与神似两方面着眼，而在拍摄历史片或传记片时，对形似有相当苛刻的要求，演员尽可能在外形上酷似人物原型，这样就能够获得广大观众的认同，所谓的特型演员就是指这些演员，如史楚金饰演列宁，古月饰演，孙飞虎饰演蒋介石，王铁成饰演周恩来，卢奇饰演等都在人物的外部

形态上就给人逼真的感受。

在挑选演员中还有一种情况是有些影片题材较为特殊，主人公从事的是某些高难度职业，这时导演就须启用从事此项高难度职业的非专业演员出任主角。如《沙鸥》女主角的扮演者就是一位专业排球运动员，具有国家级女子排球队员的素质和球艺。

第二节拍摄阶段

一、开拍前的准备

摄制组的成立标志着前期准备工作就绪；即将投入实拍阶段。摄制组由七个部门构成：导演部门——基本成员是导演、副导演、场记；摄影部门——摄影师、摄影助理、机械员、照明师、电工；录音部门——作曲、录音师、拟音师；美工部门——美术师、服装师、化妆师、道具员、置景员、油漆工；演员部门；剪辑部门；制片部门——制片主任、剧务、会计。

在开拍前的准备工作中，美工部门根据美术师绘制的设计图搭置布景或对实景进行加工是工作量最大的。如美国影片《泰坦尼克号》为了使场景具有高度的真实性，花费巨资让影片的美工人员建造了一艘在尺寸上仅比原船小十分之一的道具船，可见其规模之大和置景工作之艰巨。电影场景按其所处的空间来分有内景与外景两种。早期电影盛行在摄影棚搭置布景，即使如街道、海滨、山峦等都以人工搭置的布景代替，这种做法虽不受天气、季节变化的干扰与影响，但有比较明显的人工痕迹，容易失去环境的真实感。目前实景拍摄已成为主要的摄制方式，这样既可以节约大量用来置景的资金，也使电影空间更具有真实感。当然，必要的搭置内景还是需要的。

影片开拍前的另一项准备工作是演员的排演。通过排演，演员可以深入体验角色，导演那么有可能进一步挖掘演员的表演潜质并统一全片的表演风格。不同的导演对排演的做法不尽相同，有的导演主X直接排练影片中的戏，但相当多的导演主X排练各种小品，因为反复排练影片中的戏容易使演员丧失新鲜感，导致正式拍摄时反而表演起来显得生硬和不自然。排演小品就像是为角色创造打草稿，从中体验和把握角色的性格特征和心理特征，使人物之间的关系处理上配合默契。谢晋在《牧马人》开拍前向饰演许灵均的朱时茂和饰演李秀芝的丛珊布置了十个命题小品，有“相识第一夜”、“婚后的早晨”、“孩子出世了”等等，时间跨度从两个人物互不相识到成为有了5岁孩子的恩爱夫妻，要求演员深入地揣摩人物关系的变化。这些小品的内容虽然都不会出现在银幕上，但通过排演可以诱导演员尽快生活在角色的世界中，培养角色的感觉，在实拍时演出就能显得松弛自如、游刃有余。

二、实拍

当一切准备工作基本就绪，实拍阶段便开始了。一般说，为了减少开支，节约成本，同时也为了减少拍摄日期，提高工作效率，制片部门都会对实拍规定相应的期限，这个期限由拍摄日、运转日（景点的转移）和机动日（如拍摄外景时阴雨停工）等组成。在通常情况下，一部故事片有五六百个镜头，每拍一个镜头摄制组成员都要花费很大的工作量，而这一镜头在将来的银幕上或许只有几秒钟，甚至在剪辑时就把它舍弃了。美国导演利文斯顿在他50年的《电影和导演》一书中对拍摄现场作过生动的描述：

在公众的观念中，电影摄制组的工作现场，通常是令人眼花缭乱的。灯光、摄影机、布景、情绪激动的男演员和无精打采的女演员，来去匆匆。各种技术人员和乱喊乱叫的助手们，全围着一把舒适的帆布椅子团团转。在这把椅子上坐着导演，他一边喝可口可乐，一边发号施令。

如果有朝一日让一个观众有机会亲自去摄影棚观看拍摄，他可能获得完全不同的概念。

他看到摄影组的工作人员站着互相交谈，似乎时间过了几个小时。然后，他们之中有一个人对正在漫不经心地同演员说话的导演喊道：“我们已准备就绪了。”

“好！”导演回答，“让我们再排演一次。”

一阵活跃之后，一个原先不为人注目的人（助理导演）突然成了重要人物。他喊道：“好啦，现在安静一下，进行排演吧！”

又是一阵活跃。一阵铃声响过以后，全场立即静下来。一位担任场记的年轻人带着一块拍板走到摄影机前面，拍板上写了镜头和日期。与此同时，化妆师喊道：“稍等一下。”他跑进场内用面巾纸轻轻拭去演员脸上的汗珠。

“准备开拍。”

“准备好了。”

话是从布景深处传来的，参观拍戏的人看不见喊话者。

场记突然喊出声来：“场次20号，镜头11号。”他把用铰合的拍板拍了一响，迅即离开摄影机前面，消失在摄影机周围的人群中。

参观者现在看不见导演，因为导演也隐身在摄影机周围的人群中。但听得见他下令：“开拍！”

男演员上场，说了两句台词后，导演就打断说：“停拍，停拍！”

一片声音，一片混乱，铃声又响，整个过程又重复一遍。再失败了二三次之后，终于拍完了这一个镜头。这时导演发话说：“我看行了。”

当导演和几位演员去喝可口可乐时，其他人员继续站在拍摄现场交谈着。

也许这一切显得稀奇古怪，但对偶然参观拍戏的人的印象很典型。在没有经验的人看来，电影制片是一种行动迟缓、效率很低、消磨时间的过程；而内行人评价电影制片时，那么不看表面是否勤奋，而是根据一部特定影片所需要的拍摄周期、成本高低，以及完成片的价值来判断的。内行的人也知道在拍摄现场每个人员的岗位分工：在摄影机旁交谈的两个人是摄影师和他的照明组长，摄影师正向照明组长提出他所要求的布光效果：照明组长又告诉灯光员需要何种灯光，朝哪个方向打，怎样遮光；负责操纵摄影机的副摄影师那么同两个置景工人谈论摄影机移动的路线；而导演是在向演员作最后一分钟的提示。

在上述对拍摄现场的生动描述中我们已经可以感受到：拍摄影片和戏剧演出完全不同。戏剧的演出总是从头至尾循序演出，从第一幕开始直至最后一幕，而任何一部影片的拍摄都不是从第1号镜头开始依次从头拍到尾，这就是影片实拍的“非连续性”的特点。影片在实拍中，以场景的同一作为生产调度的依据，而不管情节的次序，尽可能把同一场景的镜头集中拍完，然后再移往另一拍摄点。例如某人在影片中三次出差去广州共十个镜头，实拍时便把在广州的十个镜头一次性拍完，在后期剪辑时再根据情节与其他镜头连接在一起。实拍的这种非连续性特点虽有很多长处，但却使拍摄过程变得很复杂，其中的“场记”特别重要，他在拍摄现场极为繁忙：在摄影机开动时手持拍板让胶片留下一个镜头的编号，为剪辑师的剪辑提供标志；详尽、准确地记录所拍镜头的每一个细节，如演员的动作、台词、服装、道具、发型等等。稍有疏漏，在以后的影片中就会出现叫入无法理解的画面，

例如某场景拍摄第一个镜头是某人在客厅中与客人交谈的中景，他嘴里叼着的是一支吸了一半的烟卷，第二个镜头是此人认真听客人说话的特写。因为拍摄的准备颇为费时，第二个镜头开拍，烟卷必已燃尽，须重新点燃一支，且要等到这支烟燃到相应的长度以后才能投入拍摄。否那么，以后这两个镜头连接起来便可能让人无法理解——此人所抽的烟卷越抽越长了。

在整个实拍过程中，导演当然是统帅一切的核心人物。在具体到拍摄某一镜头时，虽然摄影机由摄影师掌握，演员在镜头前表演，导演那么坐在摄影机旁似乎什么都不干，其实导演正“眼观六路，耳听八方”，全神贯注地审视着拍摄质量，以确保自己意图的实现，如果感到不如意，就下令重拍。这时的导演关注的中心是演员的表演。普多夫金认为：“在拍摄时，导演对演员的处理工作具有决定性的重要意义。这是电影的特点。”导演此时是演员的启发者、交流的对象，又是质量的检验者，他要通过各种手段为演员创造角色的生活环境、启发演员的情感经验，帮助演员进戏，同时要准确控制演员的表演分寸，“不及”固然不行，“过火”更应避免。由于电影表演具有一次性完成的特点，要求导演必须在现场根据表演效果及时作出是否重拍的决断，这种决断能力是导演的艺术修养和丰富的拍片经验的具体体现。为了避免日后返工补拍的被动，其中的重场戏都要拍几条备用镜头，但因电影胶片价格昂贵，每部影片的耗片比例都是有限的，我国标准约为1：3至1：4，某些西方国家耗片比可高达1：17。

通常情况下，实拍时都采用“单机拍摄”，有的影片场面大，动用的演员人数众多，拍摄难度高，为了减少重拍次数，大多采用两架以上的摄影机从不同方位拍摄同一场景，这种方法就是多机拍摄。运用多机拍摄一次便能获得两条以上的备选镜头，给剪辑提供了丰富的素材。如美国影片《现代启示录》中一个美军空袭的大场面，动用了六台摄影机拍摄，英国影片《甘地传》中悼念甘地的场面，用了九架摄影机从不同的方位同时拍摄。多机拍摄带来的另一个优点是有助于消除演员的紧X感，让演员不容易意识到摄影机的存在，而

使演员的表演显得自然。我国第一部采用多机拍摄的影片是谢晋导演的《高山下的花环》，在拍雷军长战前动员大会上怒斥“开后门”歪风、赵蒙生羞愧难当的一场戏时就用了三架摄影机：一架拍全场，另两架分别拍雷军长的训话和赵蒙生的反应，三机同时开拍，避免了单机拍摄所带来的情绪间断，使整个会场气氛表现得真实而连贯。

实拍阶段镜头的拍摄基本上是按计划进行的，但可能会出现两种特殊的情况。第一种是“抢拍”。这种拍摄是原计划之外的即兴拍摄，摄制组在实拍时，突然意识到某一场景（常常是可遇而不可求的场景）十分适合出现在正在制作的影片中，就立刻拍摄下来。如胡炳榴的影片《乡情》追求的是乡土味和田园诗般的格调，某日摄制组在出外景的归途中，见一群少年牧童骑在牛背上，唱着牧歌，在夕阳的映照下缓缓行进在绿草如茵的湖岸上，这一派充满诗情画意的场景激发了主创人员的创作灵感，摄影师立即开动摄影机把这一场景拍了下来，录音师也当场录下了具有民间风味的牧牛童谣。第二种是“偷拍”，与“抢拍”不同，偷拍是把演员置身于某个现实环境，把在这一环境下活动着的人都当作“演员”，在他们毫无察觉的情景下，与摄制组的演员共同演出。这样做的最大优点是可以获得逼真的纪实感。在X艺谋的《秋菊打官司》中，就多处采用了偷拍的手法，如把秋菊置于乡的会议室里、县城的饮食摊旁、省城的大街上等真实环境中，与现实环境融为一体，摄影师用偷拍的手法把秋菊的活动记录下来。这样做既使镜头更具真实的现场感，同时又可节约大量的人力、财力，例如要拍摄秋菊在省城大街上行走，不用偷拍手法而作实景拍摄的话，就得暂时封锁交通，遣散旁观者，人为地设置表演区等等，这样做当然很麻烦，也容易失真。运用偷拍，就可以避免这些弊端，但是偷拍离不开轻便摄影机和长焦距镜头，它们有助于摄影师隐藏在暗处不被人发现。

实拍阶段除了导演之外，另一个核心人物是制片主任，他要拟定周密的制片计划，使整个摄制工作正常、有序地进行，他的职责是代表制片企业进行生产管理和财务监督。他经常要面对的两难处境是：既要确保影片的质量，又要节省资金，还要尽可能节约时间、

加快制片进度。这是因为任何一部影片的摄制既受到投入的资金的约束，又要在一定的期限内完成影片的生产。因而制片主任在作出一项决定的时候必须兼顾艺术创作的规律和企业生产的规律，并尽可能使两者很好地统一起来。

第三节后期制作阶段

实拍阶段当然是电影制作中最关键的一步，但实拍的结束并不等于一部影片已制作完成。它还必须经历一个很重要的阶段即后期制作。这一阶段的工作主要是三个：剪辑、混录和合成。

一、剪辑

如果说导演的分镜头剧本以及实拍时是将一个作品分解、“化整为零”的话，那么剪辑就是“聚零为整”，也就是把那些分散拍摄的镜头按故事的情节发展组合、装配成一部完整的影片，因此剪辑和蒙太奇是两个很难截然分开的概念。不过两者毕竟不是同一回事，X君里曾经深刻地指出：“蒙太奇诞生于导演构想，而定稿于剪辑台上。”简单地说，蒙太奇是贯穿于整部影片创作的一种构思或思维活动，剪辑那么是影片摄制的整个工艺流程中的一道工序。当然，这道工序并不纯粹是技术性的，而具有很高的艺术含金量。

剪辑是电影制作中一个十分重要的环节。法国著名导演戈达尔在《我最关心的是蒙太奇》一文中说：“‘剪辑时再挽救’是典型的制片人语言。优秀的剪辑师能给一部原属索然无味的影片增添最主要的东西。”事实确是如此：一部在拍摄中有某些失误或不够完美的地方的影片，可以通过剪辑得好而得到补救；而一部拍摄得很好的影片，也可能因为剪辑不好而使艺术质量大打折扣。所以美国导演库布里克认为：“整个电影的拍摄过程，其最终目的就是交付剪辑，由剪辑来决定一切。剪辑是电影创作中最奇特也最富于魅力的一环，是

使电影有别于其他艺术的主要因素。”有人认为，一部影片的完成实际上是一种“三度性创作”：编剧是一度创作；导演的分镜头以及经过实拍获得的胶片为二度创作；经过剪辑师的剪辑，结构成一部完整的影片就是三度创作。这是说得很有道理的。所以导演对这一道工序是十分重视的，有的导演亲自动手剪辑，如卓别林；有的因高度信任剪辑师而放手让其剪辑；而在更多的情况下，导演与剪辑师共同切磋，进行创造性剪辑。

剪辑既是一项技术性工作，又是一种创造性劳动。

从技术角度说，这一工艺流程可分为“顺镜头”、“初剪”、“定稿”等过程。当摄制组拍完全部镜头交付洗印厂洗印后，便可获得“工作样片”，经初步筛选并按分镜头剧本中的顺序连接起来，形成一部影片的毛坯，这就是“顺镜头”，顺镜头的主要工作在于“接”。接着是“初剪”，因为摄影师在实拍时，每一个镜头的首尾留有余地，剪辑师逐一剪去每个镜头首尾的冗余部分，使前后镜头连贯起来，所以“初剪”的重点不在于“接”而在于“剪”——找准剪辑点。两个相连的镜头衔接时，有一个“剪辑点”，只要找准这个点，就能消除镜头转换的痕迹，使两个相邻镜头天衣无缝地结合在一起，不致让观众因镜头的跳跃式转换而分散注意力。例如上一个镜头是主人公跨上汽车，汽车起动，下一镜头是汽车驶来，主人公从车上走下，这样汽车就成为这两个镜头的剪辑点，上述两个镜头尽管场面转换了，景致也变化了，但组接在一起仍很流畅。利用合理的剪辑点还可省略不必要的动作过程，上述例子中就省略了主人公在汽车上的活动过程，因此使影片的叙述节奏可以大大加快。

从创造性角度说，剪辑是对导演分镜头构思所设计的镜头序列作必要的修正，通过定稿前的推敲把存在的缺陷消除到最小的程度。这种剪辑又有三种具体的方法：一是剪去某些不必要的镜头；二是增加某些在原来的镜头序列中没有的镜头；三是更换原先所设计的镜头顺序，移动某些镜头的位置。

把原来构思中已有的镜头删去的做法叫做“减法”。这在剪辑中是最容易做的，但要真正做到“删所当删”就不是件容易事，且只有删去可删的镜头，才会使影片紧凑、具有感染力。如谢晋的《高山下的花环》中有这样一场戏：前一镜头雷军长在前线指挥所接听吴爽千里之外打来的，要求把她的儿子调往后方，雷军长火冒三丈地掷下话筒；下一镜头是雷军长走上战前动员大会台，一甩军帽，痛斥那种在战场上也想走后门的恶劣作风。在分镜头剧本中，有雷军长走出指挥所、登上越野车、驱车奔赴会场的一组镜头，剪辑师按导演原来的意图剪辑后，发现这几个过渡镜头显得多余，它们反而冲淡了雷军长发怒的连贯情绪。把这几个镜头剪去，戏的衔接更紧凑，更能强烈表现雷军长的内在情绪。

在导演构思的原定镜头序列中插入某些镜头的做法叫做“加法”。它可以使影片获得某种更完美的艺术效果。如谢晋的《牧马人》中表现许灵均父子和女秘书在瓷器店买礼品，前一镜头是女秘书示意许灵均“餐具茶具你尽管挑”，后一镜头是许灵均对售货员说“请给我一个泡菜坛子”。由于拍摄时对两个镜头的拍摄方位考虑欠周密，剪辑后效果不理想。后来剪辑师从剪剩的废片中找到一个泡菜坛子的特写，以许灵均的主观镜头插入期间，不着痕迹地弥补了两个镜头衔接的不顺。在剪辑中，添加的镜头大都是从初剪时剩余的素材中借用的，如上述的那个泡菜坛子的特写就是从不足三尺的废片中寻觅到，这种“变废为宝”的做法避免了补拍镜头的麻烦。一般说，做加法要比做减法难度大。

不作镜头数量上的增减，而仅更动原先设计的镜头排列顺序、移动某些镜头的位置的做法叫做“挪位”。同样的镜头，有时将组接顺序加以挪移，就能揭示不同的含义，焕发出新的光彩来。这一点我们已在“蒙太奇”一章中有了一定的了解。如在影片《黑炮事件》中赵书信注视着两个小孩用红砖玩“多米诺游戏”的隐喻性场景本来是作为片头的，但容易叫人摸不着头绪，不能使观众尽快入戏，剪辑师和导演共同推敲后，把这组镜头挪到结尾，当观众看完了整个影片以后就较容易理解它们的隐喻功能。

剪辑阶段还有一项重要任务就是把握和形成未来影片的总体节奏。节奏是电影艺术一个极为重要的艺术元素，它是电影艺术生命力的体现，法国电影理论家摩西纳克在谈到电影创作时激烈地宣称“是节奏，不然就是死亡”，可见节奏对于电影有着至关重要的作用。剪辑与节奏有着直接的关系。对一个具体镜头来说，同时兼有内部节奏和外部节奏。电影画面因主体及摄影机运动速度的不同，形成了镜头的内部节奏，如火车的奔驰与人悠闲的散步就是两种不同的内部节奏；镜头的“急推”与“缓拉”也造成不同的内部节奏。外部节奏体现在每一个镜头的长度以及它们的相互关系上，这种节奏就是由剪辑师控制的，长镜头节奏舒缓，短镜头节奏急迫，长、短镜头之间那么可配置成多种多样的节奏，构成因素极为灵活和复杂，剪辑师就需根据影片的内容和所要达到的艺术效果，精心地构筑和营造影片的节奏。

二、混录与合成

混录是影片的后期制作中的又一个重要步骤，主要任务是把人物对白的磁带、音乐磁带和音响效果磁带根据画面胶片的长度相应地分别剪辑以后，再混合录制在一条磁带上的一道工艺。在制作流程中，声音的录制加工和画面拍摄是分别进行的：画面由摄影师拍摄在胶片上，声音那么由录音师录制在磁带上，直到声音混录之后，才使声画同步套合。

1．声音的录制

声音的录制方式有三种。第一种是前期录音，这种方式主要用于戏曲片、音乐片的录制。录音师先把唱词、乐曲等录制好，在实拍时作现场播放，让演员们根据播放的唱段或乐曲作同步表演，这样既能保证已录制的唱段或乐曲的质量，又可使实拍时的演员把精力集中在表演上，保证表演的质量。前一段时间为听众深恶痛绝的某些歌星的“假唱”就是利用了这种前期录音的方式。

第二种是后期配音。这种方式是在镜头拍完以后，在录音棚里由演员根据银幕上的无声画面对口型、念台词，由拟音人员按画面要求模拟多种音响效果。这种录音方式在我国至今仍运用得相当普遍，译制片的配音也属于后期录音。这种方式虽然噪声干扰少、工作效率高、难度低，但往往声音的质量失真、缺乏现场感和音响的空间感，使人觉得虚假，这也是许多人宁可看用字幕翻译对话的原声影片也不愿看经过译制的外国电影的原因。

第三种是同期录音。这是电影录音的发展趋向，目前国外的影片制作都趋向于这种方式，它要求在实拍的同时将演员的对话以及环境音响一并录制下来（音乐仍是后期配音），以获取逼真的音响质量和音响效果。由于当今的录音设备十分精良，微型话筒甚至能隐藏在演员的衣领之下，即使是在非常嘈杂的环境中也能分辨出主次，因此为同期录音创造了极为便利的条件。

2．声音的混录

在分别录制好对白、音响、音乐三条磁带以后，录音师还需要把这三种声音混录在一条磁带上。在混录时，录音师使用录音棚内的专门设备，在调音台上控制、调节每一条声带的音量，随着银幕上放映的剪辑样片，根据声音总谱确定声音与画面的恰当配合，直到把对话、音响和音乐三条声带混录在一条磁带上。

3．合成和洗印

混录以后所制成的影片叫“双片”——一片是画面胶片，一片是声音磁带。在我国，双片须经过有关部门的审查通过以后，才能交付洗印厂进行光学合成（把磁带上的录音转换成光学录音，并把它和画面合成在一条电影胶片上）和洗印（洗印成电影拷贝交付发行放映）。至此，一部影片才算真正制作完成。